"Less is more"…to get to the heart! Le architetture e il design di Stefano Liciotti

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Stefano Liciotti, classe 1991, è architetto, designer e fotografo. Il suo approccio con queste discipline è minimale, essenziale, non a caso, leitmotiv della sua arte è la citazione di Mies Van Der Rohe: “Less is more”. Togliere dunque per risalire all’essenza, alla vera natura delle cose, alla materia, arrivare al cuore, ritornare all’artigianalità, a un’attenzione intelligente  verso le architetture che ci circondano, siano esse umane o no. E’ importante recuperare questo rapporto profondo, fare un passo indietro, per ‘salvare’ il presente e costruire un futuro migliore.
Il suo progetto “Covid digital memorial” è un’opera testimonianza potente del presente (questi 2020/2021 che ci sfidano con la dura pandemia in corso). Come egli stesso scrive: “Il senso di reclusione, che al tempo stesso è simbolo di resistenza e speranza, si tramuta in una struttura concepita come edificio mistico-sacrale…

Ecco alcune domande che ci aiutano a conoscerlo meglio.

Architetto, designer, fotografo. Quale fra le tue arti ti appassiona ed emoziona di più
Fra le varie arti citate sicuramente quella più mia è quella del designer perchè in esso racchiudono molteplici possibilità di espressione creativa in campi anche molto diversi tra loro.

Il progetto che sogni di realizzare è…
Il progetto che sogno di realizzare è l’apertura di un mio studio creativo dove le varie arti si possano contaminare.

Un pensiero, una riflessione, sull’architettura contemporanea
L’architettura contemporanea oggi è un mondo vastissimo e complesso costituito da star e artigiani, io preferisco i secondi

Il tuo architetto di riferimento
Un architetto di riferimento per me è sicuramente l’Arch. Maria Giuseppina Grasso Cannizzo, sconosciuta ai più.

Cosa vuole fare Stefano Liciotti da grande?
Da grande vorrei poter utilizzare le mie capacità per necessità concrete e grazie ad esse scoprire il mondo e tutte le sue culture.

Che cambiamenti immagini, sogni, auspichi o temi per il tempo che verrà?
Auspico che ci sia un ritorno alla dimensione familiare della vita e artigianale del lavoro nel rispetto dell’ambiente per il futuro di tutti e di quelli che verranno dopo di noi. Temo che sarà difficile realizzare tale auspicio e che verranno periodi anche peggiori di quello attuale.

Il covid digital memorial, un’opera che racconta il presente. Parlacene
L’illustrazione nasce dalla voglia di esternare quel sentimento di reclusione che tutti noi stiamo provando in questo periodo difficile. Il senso di reclusione, che al tempo stesso è simbolo di resistenza e speranza, si tramuta in una struttura concepita come edificio mistico-sacrale inserito in un contesto particolare, una situazione tra reale e virtuale dove le due compagini del mondo contemporaneo si sono ormai date il cambio.
Da Architetto l’approccio è quello progettuale con il quale dare vita ad un luogo non-luogo che potrebbe anche essere materiale ma in realtà è solo digitale.
Come si può notare nell’immagine, la struttura principale in vetro è scandita da un ipotetico infisso di protezione che ricorda le recenti norme sul distanziamento sociale.
Le vetrate stesse riportano all’ormai consueta visione giornaliera del mondo attraverso la propria finestra, dal quale ammiriamo con malinconia qualcosa che ormai percepiamo come distante. La struttura vetrata permette di percepire ma anche di mantenere un filtro quasi protettivo dalla forma umana contenuta all’interno del volume.
Questa struttura centrale pulita e fortemente simmetrica si impone con forza, la sensazione viene rimarcata dallo specchio d’acqua che la cinge in un ipotetico fossato.
Il percorso del visitatore virtuale è unico, l’osservatore può ammirare una figura non definita di un uomo che tende un abbraccio al prossimo ma il tutto è velato dallo schermo del vetro opaco che non permette di definire con precisione la figura perché in questo momento più che mai ogni uomo ha riscoperto di essere, pur nelle diversità di sesso religione ed etnia, uguale all’altro.
La figura umana all’interno dell’oggetto vetrato è indefinita, ha le sembianze di una persona senza che sia identificabile. L’abbraccio stesso è multidirezionale, si riferisce all’uomo come alla natura, al mondo tutto che adesso ci manca più che mai.
L’illustrazione è stata concepita con l’idea che questo momento di difficoltà e dolore verrà superato, con la speranza che però non sarà dimenticato.
Il pensiero è quindi al domani ma si pone come obiettivo la memoria dell’oggi.
Il mondo digitale è divenuto quello reale e viceversa, c’è bisogno di portare la dimensione del ricordo anche nella frenesia del mondo virtuale.
L’immagine, quasi metafisica, cerca di muovere un sentimento reale nello spettatore che la osserva e riflette sulle sensazioni che sta provando in questo momento di reclusione.
L’importanza e la consapevolezza di ricordare la tragedia sono lo scopo finale.
Il dolore e il riconoscimento di quello che è cambiato in noi sono sentimenti importanti per superare qualcosa che ci ha turbato e per questo fine occorre ricordare.
I luoghi della memoria, oggi come ieri, reali o virtuali, sono e saranno sempre importanti, fondamentali.

Grazie Stefano! E che la tua sensibilità e intelligenza contribuiscano a “quel piccolo, grande, cambiamento” che verrà.

 

Stefano Liciotti_ biografia
Stefano Liciotti, nato a Fermo, classe 1991, si laurea in Architettura Magistrale presso l’Università di Camerino, si trasferisce a Bologna dove collabora con diversi studi di Architettura e Design. Come Architetto la sua ricerca personale gravita intorno ai temi del riuso del patrimonio edilizio esistente e dell’architettura sostenibile.Si interessa di arte, grafica e fotografia, discipline che utilizza nelle sue realizzazioni che spaziano dal fotoinserimento ad elaborazioni 3d più complesse.

https://www.instagram.com/ste.lik/
https://stefanoliciotti.wixsite.com/stefanoliciotti


I colori della natura nelle sintesi minimali di Hirotsugu Aisu

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Hirotsugu è gentile, timido, discreto, educatissimo. E’ una persona squisita, come i sushi che prepara con maestrìa ma è anche, e soprattutto, un artista sensibile, colto e attento. Hiro ti racconta le cose con entusiasmo e con modestia. Ho avuto il piacere di conoscerlo durante una una vacanza in Sicilia, a casa di amici (Grazie Giuly e Cri!).
Dopo aver apprezzato la sua cucina, mi sono imbattuta nella sua arte e sono rimasta piacevolmente incuriosita e stordita. Una sintesi che riduce la natura a una palette di colori che diviene grafica, opera astratta.  Unisce oriente (bellezza, minimalismo, spiritualità) e occidente (scelta dei soggetti e dei materiali: paesaggi principalmente italiani, carta artigianale amalfitana).
Ve lo faccio conoscere.
Da dove vieni e dove vivi?
Vengo dal Giappone, da Yokohama. Ora vivo ad Aversa, in Campania.
Sono figlio di un orafo artigiano e sono cresciuto nel suo laboratorio. Per me “creare” è naturale come “parlare (o forse di più).
Dopo la morte di mio padre, (avevo 10 anni), mi sono allontanato dall’arte e ho scelto il mestiere di cuoco.
Sono arrivato in Italia per lavorare come sushi-chef 13 anni fa.

Da dove nasce la tua arte…

Vedendo tante opere d’arte di importanza mondiale ho scoperto, in me, la passione per l’arte.
Volevo realizzare un’opera che unisse bellezza e filosofia di Italia e Giappone. Grazie alla mia vita in Italia, ho acquisito pian piano la cultura italiana. Ora direi che sono ibrido, un “italogiapponese” hahaha
E’ tramite le mie opere, che vorrei farvi conoscere, quasi come uno scambio, la bellezza e lo spirito del Giappone.

Che tecnica usi?
Ho iniziato a produrre opere d’arte usando Coding, Glitch, Modellazione 3d, quando studiavo all’accademia di belle arti, al corso di nuove tecnologie di arte. Negli ultimi anni mi sto concentrando anche sulla tecnica degli “origami”. Per i prossimi progetti, invece, sono previste anche scultura e serigrafia.

Cosa vuole fare Hiro da grande e qual è il sogno?
Voglio cambiare questo mondo! così è un po’ esagerato? Vorrei contribuire a cambiare questo mondo pieno di egoismo, consumismo, materialismo.
Vorrei trovare una base, che diventi un luogo di unione e condivisione, per scambiarsi idee, appunto, per migliorare questo mondo tramite l’arte, la musica e il cibo…degli “eco art villages”.
Immagino una casa di pietra antica affianco a una tipica casa di legno giapponese (si può smontare e si può portare qui!), con un orto naturale (viene da un’idea giapponese).

Parlaci delle tue opere

Serie: Colour of…
Noi essere umani moderni siamo attaccati (ossessionati) alla forma (materia) e non guardiamo l’essenziale. La materia non ha colori. I colori che vediamo sono la reazione del nervo cerebrale alle varie frequenze di riflessione di luce solare emanata dalla materia.

Serie: Dimension
Tecnica: Origami, Carta amalfitana
E’ il mio primo progetto pubblicato, realizzato manualmente e usando l’unica carta italiana artigianale. E’ ispirato al “mito della caverna” di Platone.
Se guardiamo tutti la stessa cosa, la pensiamo in modo diverso… che sia bene o male, bella o brutta, ecc… 
E come al solito, viviamo e guardiamo il mondo modo dalla dimensione dal “basso”. 
Se potessimo vivere e guardare da una dimensione “alta”, questo mondo sarebbe migliore.
Noi giapponesi ogni tanto facciamo un mazzo di mille origami di gru per pregare per il bene e la salute degli altri, oppure perchè desideriamo la pace di mondo.
Io prego e desidero un mondo migliore mentre piego questa opera.

 

Grazie Hiro! 


Design is a God Idea! L'Emigre di Zuzana Licko

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Icona indiscutibile del font type e del graphic design, fonda col marito Rudy VanderLans nel 1984, la società di design Emigre Graphics. Da questa la famosa rivista autoprodotta Emigre,
nota per aver adottato i primi layout digitali sperimentando l’uso del Macintosh. Sul magazine la pubblicazione anche della casa di font, Emigre Type Font, uno dei primissimi caratteri tipografici digitali, che riscuote subito successo, ma anche critiche da parte dei più conservatori perchè rompe con la grafica tradizionale. Emigre va avanti e riceve, nel 1997, il più alto riconoscimento a cui poteva aspirare: la medaglia d’oro dell’American Institute of Graphic Arts. Facendo un balzo fino al 2011, cinque caratteri tipografici digitali della Emigre Type Library sono stati acquisiti dal MoMA di New York per la loro collezione di design e architettura. Applausi e gratudine!
https://www.emigre.com/